The Who

더 후는 1964년 런던에서 결성되었다. 밴드의 전신은 1961년 결성된 딕스턴이었으며, 로저 달트리가 리드 보컬을 맡았다. 1964년, 기타리스트 피트 타운젠드와 드러머 키스 문이 합류하면서 밴드의 핵심 라인업이 완성되었다. 당시 밴드명은 '더 후'로 확정되기 전까지 '하이 넘버스'[1]라는 이름으로 활동하기도 했다.

초기 결성 과정에서 매니저 키트 램버트와 크리스 스탬프의 역할은 지대했다. 그들은 밴드의 이미지를 모드 문화와 결부시키는 전략을 세웠으며, 이를 통해 독특한 정체성을 구축하는 데 기여했다. 1965년 발매된 데뷔 싱글 〈I Can't Explain〉은 프로듀서 셸 탈미의 손을 거쳐 성공을 거두었고, 밴드의 첫 번째 히트곡이 되었다.

이 시기 밴드는 라이브 공연에서 과격한 퍼포먼스로 주목을 받기 시작했다. 피트 타운젠드의 기타 파괴 행위와 키스 문의 폭발적인 드럼 연주는 공연의 상징이 되었으며, 이는 곧 더 후의 트레이드마크로 자리 잡았다. 이러한 무대 행위는 당시 젊은 관객들에게 강렬한 충격과 열광을 불러일으켰다.

더 후는 결성 초기부터 모드 문화와 깊이 연관되어 있었다. 특히 리더 피트 타운젠드가 열성적인 모드였으며, 밴드의 초기 이미지와 음악, 패션은 이 청년 문화 운동에서 직접적인 영감을 받았다. 그들은 리듬 앤 블루스에 기반한 빠르고 간결한 곡들을 연주하며, 당시 런던의 클럽에서 모드 청년들의 대표적인 공연 밴드로 자리 잡았다.

밴드의 패션은 모드 스타일의 전형을 보여주었다. 테일러드 슈트, 파카 코트, 특유의 짧은 머리 스타일을 채택했으며, 이는 당시의 다른 록 밴드들과 뚜렷이 구분되는 시각적 정체성을 형성했다. 그들의 초기 대표곡인 〈My Generation〉의 가사는 모드 세대의 반항 정신과 소외감, 세대 간 갈등을 직접적으로 표현한 것으로 해석된다[2].

1960년대 중반을 거치며 모드 문화가 쇠퇴하고 사이키델릭 문화가 부상하자, 더 후의 음악적 방향성도 변화하기 시작했다. 그러나 모드 시대의 에너지와 공격적인 연주 스타일, 그리고 청년 문화에 대한 날카로운 관찰은 이후 그들의 작품 세계에 지속적인 영향을 미쳤다. 1973년 발매된 컨셉트 앨범 《Quadrophenia》는 1960년대 초중반 런던의 모드 문화와 그 내부의 갈등을 주제로 삼아, 이 시절에 대한 일종의 회고이자 예술적 재해석을 시도했다.

더 후는 1960년대 중반 브리티시 인베이전의 흐름 속에서 파워 팝과 하드 록 장르의 초기 형성에 결정적인 역할을 한 밴드로 평가받는다. 그들의 사운드는 기존의 리듬 앤 블루스나 팝 음악보다 더 강력하고 공격적인 에너지를 지녔다. 피트 타운젠드의 강렬한 파워 코드 연주와 피드백 활용, 존 엔트위슬의 선율적이고 전위적인 베이스 기타 라인, 키스 문의 폭발적이고 복잡한 드럼 연주가 결합되어 독특한 음악적 정체성을 구축했다.

이러한 접근은 1965년 발매된 데뷔 싱글 〈I Can't Explain〉과 데뷔 앨범 《My Generation》에서 명확히 드러난다. 특히 〈My Generation〉의 가사와 난폭한 연주는 당시 청년 문화의 불만과 반항을 직접적으로 표현했으며, 곡 중간의 기타 솔로는 의도적인 왜곡과 노이즈를 특징으로 했다. 이는 단순한 팝 송을 넘어서는 록 음악의 새로운 가능성을 제시했고, 이후 등장할 헤비 메탈과 펑크 록 모두에게 중요한 선례가 되었다.

그들의 음악은 강력한 팝 멜로디의 골격 위에 과격한 록의 힘을 실은, 이른바 "최대한의 소음과 최대한의 멜로디"를 지향하는 스타일이었다. 타운젠드는 척 베리와 링고 스타의 영향을 받은 리프를 기반으로 하되, 지미 페이지나 에릭 클랩튼과 같은 블루스 기반의 기술적 솔로보다는 곡 전체의 분위기와 충격을 위한 연주 방식을 선택했다. 이는 복잡한 기술보다는 순간의 에너지와 태도를 중시하는 펑크 록 정신의 원형으로 여겨진다.

더 후는 로큰롤의 범위를 확장하여 대규모 서사적 작품을 구축한 선구자로 평가받는다. 특히 피트 타운젠드가 구상한 록 오페라는 밴드의 음악적 야망을 가장 잘 보여주는 예시이다.

1969년 발매된 더블 앨범 《Tommy》는 일반적으로 최초의 성공적인 록 오페라로 인정받는다. 이 앨범은 청각, 시각, 언어 장애를 가진 소년 '톰미'의 성장과 구원을 추적하는 통합된 이야기를 담고 있다. 《Tommy》는 "Pinball Wizard"와 같은 히트 싱글을 배출했을 뿐만 아니라, 무대 공연과 영화로 각색되며 하나의 다중 매체 프랜차이즈로 발전했다. 이 작품은 록 음악이 단순한 싱글 모음집을 넘어 하나의 통합된 예술 형식이 될 수 있음을 증명했다.

1973년 발매된 《Quadrophenia》는 더욱 복잡하고 개인적인 서사를 탐구한다. 이 작품은 1960년대 초반 영국의 모드 문화에 뿌리를 둔 청소년 '지미'의 정체성 위기와 내적 갈등을 4중 성격(quadrophenia)이라는 개념으로 풀어낸다. 각 성격은 밴드 멤버 하나와 연결되어 있으며, 주제 음악으로 표현된다[4]. 《Quadrophenia》는 오케스트레이션과 신시사이저의 사용, 테이프 루프 기술을 통해 더욱 풍부하고 심오한 사운드 스케이프를 창조했다.

이러한 대규모 작품들은 밴드의 라이브 공연에서도 중요한 축을 이루었다. 《Tommy》의 전곡 연주나 《Quadrophenia》의 무대화는 당시 콘서트의 규모와 야심을 재정의했다. 더 후의 오페라 록 실험은 이후 프로그레시브 록 밴드들과 뮤지컬 극장에 지속적인 영향을 미쳤으며, 록 음악이 사회적 논평과 철학적 탐구를 위한 서사적 틀을 제공할 수 있음을 보여주었다.

피트 타운젠드는 더 후의 리더이자 주요 작곡가, 기타리스트이다. 그는 밴드의 대부분의 곡을 작사·작곡했으며, 독특한 파워 코드 연주와 피드백을 활용한 공격적인 기타 사운드로 록 음악에 지대한 영향을 끼쳤다. 또한 신시사이저를 록 음악에 도입한 선구자 중 한 명이기도 하다.

그의 작곡 세계는 로큰롤의 에너지와 복잡한 서사 구조를 결합한 것으로 평가받는다. 대표적인 록 오페라인 《Tommy》와 《Quadrophenia》를 통해 청년의 방황, 세대 갈등, 정체성 탐구 같은 주제를 심도 있게 다루었다. 《Who's Next》 앨범에 수록된 "Baba O'Riley"와 "Won't Get Fooled Again" 같은 곡들은 신시사이저 리프와 강력한 록 사운드의 결합을 보여주는 걸작으로 꼽힌다.

무대 위에서는 과격한 퍼포먼스로 유명했다. 그는 종종 기타를 회전시켜 연주하거나 앰프에 내리쳐 파괴하는 공연을 선보였으며, 이는 록 공연의 한 장르를 형성하는 데 기여했다. 그의 독특한 기타 연주 스타일은 다음과 같은 특징을 가진다.

그는 음악적 업적을 인정받아 1990년 로큰롤 명예의 전당에 헌액되었으며, 평생 동안 솔로 활동과 더 후의 재결합 공연을 병행했다. 그의 작곡과 연주는 펑크 록과 하드 록 등 후대 수많은 음악 장르에 영감을 주었다.

로저 달트리는 더 후의 리드 보컬리스트이자 밴드의 상징적인 얼굴이다. 그는 1944년 3월 1일 런던 서부의 해머스미스에서 태어났다. 달트리는 밴드 결성 초기에는 하모니카 연주자로 참여했으나, 보컬 자리가 비게 되면서 리드 보컬을 맡게 되었다. 그의 강력하고 거친 보컬 톤은 밴드의 하드 록 사운드에 결정적인 요소를 더했다.

그의 무대 퍼포먼스는 매우 에너지 넘치고 카리스마가 넘쳤다. 달트리는 마이크 스탠드를 공중에 던지고 휘두르는 독특한 무대 액션으로 유명했다. 이러한 화려한 퍼포먼스는 피트 타운젠드의 기타 파괴, 키스 문의 난폭한 드럼 연주와 어우러져 더 후의 라이브 쇼를 전설적으로 만들었다. 그는 밴드의 대표곡인 My Generation, Baba O'Riley, Won't Get Fooled Again 등을 자신의 목소리로 정의했다.

로저 달트리는 또한 배우로서의 경력도 가지고 있다. 그는 밴드의 록 오페라 Tommy를 각색한 1975년 영화 《토미》에서 주인공 토미 역을 맡아 연기했다. 이 외에도 《리스트매니아》, 《맥베스》 등 여러 영화와 연극에 출연하며 다방면에서 활동을 이어갔다. 그는 1990년 대영 제국 훈장을 수훈받는 등 영국 음악계에서 높은 존경을 받았다.

더 후 해체 후에도 그는 꾸준히 솔로 활동을 이어갔으며, 밴드가 재결성되어 투어를 할 때마다 리드 보컬로 무대에 섰다. 그의 독보적인 보컬 스타일과 강렬한 무대 존재감은 하드 록과 브리티시 인베이전 역사에서 가장 영향력 있는 프론트맨 중 한 명으로 그를 자리매김하게 했다.

존 엔트위슬은 더 후의 베이시스트이자 창립 멤버 중 한 명이다. 그는 밴드의 독특한 음악적 정체성을 형성하는 데 핵심적인 역할을 했으며, 특히 베이스 기타를 리듬 악기가 아닌 선율과 퍼포먼스의 주체로 끌어올린 혁신적인 연주자로 평가받는다. 그의 강렬하고 복잡한 베이스 라인은 밴드의 사운드에 날카로운 날개를 달아주었다.

그의 연주 스타일은 멜로디를 추구하는 고음역대의 빠른 주법이 특징이었다. 그는 종종 기타리스트 피트 타운젠드와 대등한 선율 라인을 연주하며, 베이스를 리드 악기처럼 사용했다. 이는 당시 록 음악에서 보기 드문 접근법이었다. 또한, 그는 무대에서 과묵하고 무표정한 태도를 유지하며, 화려한 동작 대로 악기 연주 자체에 모든 에너지를 쏟는 모습으로 유명했다.

엔트위슬은 "더 후"의 많은 명곡을 작곡하기도 했다. 대표적으로 〈My Generation〉의 베이스 솔로는 그의 아이콘적인 작품이며, 〈The Real Me〉, 〈Boris the Spider〉, 〈Heaven and Hell〉 등의 곡도 그의 작품이다. 그는 밴드 내에서 "더 후"의 강력한 리듬 섹션을 구성하는 동시에, 독자적인 창작자로서의 면모를 보여주었다.

2002년 6월 27일, 라스베이거스의 호텔에서 심장마비로 갑작스럽게 사망했다[5]. 그의 죽음은 밴드의 영구적인 해체를 의미하는 것이었으며, 록 음악계는 한 시대를 풍미한 가장 위대한 베이시스트 중 한 명을 잃었다. 그의 기술과 영향력은 이후 수많은 베이시스트들에게 지대한 영감을 주었다.

키스 문은 더 후의 드러머로, 본명은 키스 존 문이다. 그는 1947년 8월 23일 런던에서 태어났다. 문은 1964년 피트 타운젠드와 존 엔트위슬이 결성한 밴드인 하이 넘버스에 합류하면서 더 후의 전신에 참여했고, 이후 밴드의 정식 결성 멤버가 되었다.

그의 드럼 연주 스타일은 폭발적이고 즉흥적이며 극도로 공격적인 것이 특징이었다. 그는 정형화된 리듬 패턴을 거부하고, 드럼 세트의 모든 요소를 동원해 마치 멜로디 악기처럼 연주하는 방식을 선보였다. 특히 그는 심벌즈를 자주, 그리고 격렬하게 사용했고, 드럼 필인을 과감하고 예측 불가능하게 구성해 밴드의 에너지를 극대화하는 역할을 했다. 이러한 스타일은 단순한 박자 유지자가 아닌, 연주에 핵심적인 표현을 더하는 독립적인 퍼포머로서의 드러머 이미지를 정립하는 데 기여했다[6].

무대 위에서의 키스 문은 그의 연주만큼이나 화려하고 과격한 퍼포먼스로 유명했다. 그는 공연 중에 드럼 세트를 파괴하는 행위를 정기적으로 선보였으며, 이는 더 후의 상징적인 라이브 이미지를 형성하는 주요 요소가 되었다. 그의 난폭하고 예측할 수 없는 성격은 무대 밖에서도 유지되어, 호텔 방 파괴나 기이한 행동으로 전설적인 이야깃거리를 많이 남겼다.

키스 문은 1978년 9월 7일, 처방된 약물 과다 복용으로 사망했다. 그의 죽음은 더 후의 활동에 큰 공백을 남겼으며, 록 음악계는 가장 독창적이고 영향력 있는 드러머 중 한 명을 잃었다. 그의 연주는 하드 록과 헤비 메탈 장르의 드러머들에게 지대한 영향을 미쳤다.

《My Generation》은 더 후의 데뷔 스튜디오 앨범으로, 1965년 12월 3일 영국에서 발매되었다. 미국에서는 《The Who Sings My Generation》이라는 제목으로 1966년 4월에 발매되었다. 이 앨범은 브리티시 인베이전 시기에 등장한 밴드의 초기 사운드를 집대성한 작품으로, 모드 문화와 강력하게 결합된 정체성을 보여준다.

앨범의 사운드는 리듬 앤 블루스와 팝 음악의 영향을 받았으며, 피트 타운젠드의 왜곡된 기타 연주, 존 엔트위슬의 선율적인 베이스 라인, 키스 문의 폭발적인 드럼 연주가 특징이다. 타이틀곡이자 싱글인 〈My Generation〉은 당시 젊은 세대의 불만과 소외감을 대변하는 로큰롤 국가로 자리 잡았으며, 로저 달트리의 의도적인 말더듬기 보컬 스타일이 곡의 긴장감을 극대화시켰다.

수록곡은 대부분 밴드의 자작곡으로 구성되었으며, 〈The Kids Are Alright〉, 〈The Ox〉, 〈A Legal Matter〉 등이 포함되었다. 또한 제임스 브라운의 〈Please, Please, Please〉와 보 디들리의 〈I'm a Man〉 같은 커버 곡을 통해 밴드의 뿌리를 엿볼 수 있다. 앨범의 녹음은 비교적 빠르게 진행되었고, 많은 곡이 라이브 테이크에 가까운 생생함을 유지하고 있다.

《My Generation》 앨범은 초기 파워 팝과 하드 록의 중요한 초석으로 평가받는다. 특히 〈My Generation〉 싱글은 영국 싱글 차트 2위에 올랐고, 앨범 자체는 후대에 걸쳐 록 역사상 가장 영향력 있는 데뷔 앨범 중 하나로 꼽힌다. 이 앨범은 더 후가 단순한 팝 밴드를 넘어, 음악적 실험과 세대 정신을 대표하는 그룹으로 도약하는 계기를 마련했다.

Tommy는 The Who가 1969년 발표한 더블 음반이자 록 오페라로, 밴드의 가장 야심찬 작품 중 하나로 평가받는다. 피트 타운젠드가 작곡한 이 앨범은 청각, 시각, 언어 능력을 모두 잃은 소년 토미의 이야기를 담은 일관된 서사 구조를 가지고 있다. 이 작품은 단순한 곡들의 모음집이 아닌, 하나의 완결된 극적 음악 작품으로서 콘셉트 앨범의 새로운 지평을 열었다고 평가받는다.

앨범의 서사는 토미가 겪는 다양한 시련과 결국 핀볼 위자드로서의 명성을 얻는 과정, 그리고 그로 인한 새로운 환멸을 따라간다. 대표곡인 "Pinball Wizard", "See Me, Feel Me", "I'm Free"는 이 복잡한 이야기 속에서 등장인물의 심리와 상황을 드러내는 역할을 한다. 음악적으로는 하드 록, 파워 팝, 포크 록, 심지어 카바레 풍의 사운드까지 폭넓은 스펙트럼을 보여주며, 아르페지오 기타 연주와 풍부한 신시사이저 사용이 두드러진다.

*Tommy*는 음악 산업과 대중문화에 지대한 영향을 미쳤다. 이 앨범은 브로드웨이 뮤지컬(1992년)과 영화(1975년)로 각색되었으며, 수많은 아티스트들에게 콘셉트 앨범과 대규모 록 작품 창작에 대한 영감을 주었다. 또한, 1969년 발매 당시 상업적으로 큰 성공을 거두며, The Who를 단순한 히트 메이커를 넘어 선구적인 아티스트 집단으로 격상시키는 계기가 되었다. 이 작품은 록 음악이 단편적인 싱글을 넘어서서 복잡한 서사와 예술적 표현을 담을 수 있는 매체임을 증명한 이정표로 남아 있다.

*Who's Next*는 1971년 8월 발매된 더 후의 다섯 번째 정규 스튜디오 앨범이다. 이 앨범은 밴드가 구상했던 대규모 멀티미디어 프로젝트인 *Lifehouse*가 좌절된 후, 그 세션에서 나온 곡들을 재구성하여 만들어졌다. 프로듀서 그림 트윈스와의 협업 하에 녹음되었으며, 당시 최첨단 신시사이저인 ARP 2500의 사용이 음악적 특징을 크게 정의했다[7].

앨범은 기술적 실험성과 강력한 록 사운드를 결합하여 비평적, 상업적으로 큰 성공을 거두었다. 수록곡 "Baba O'Riley"의 도입부 신시사이저 리프와 "Won't Get Fooled Again"의 광활한 신스 사운드는 하드 록과 프로그레시브 록의 경계를 확장한 것으로 평가받는다. 앨범 커버는 네 명의 멤버가 콘크리트 기둥에 오줌을 누는 모습을 담은 유명한 이미지로, 당시의 반항적 정신을 상징하게 되었다.

*Who's Next*는 밴드의 최고 걸작으로 꼽히며, 록 역사상 가장 영향력 있는 앨범 중 하나로 자리매김했다. 주요 수록곡은 다음과 같다.

앨범은 영국과 미국 차트에서 톱 5 안에 진입했고, 이후 수차례 재발매되며 다이아몬드 등급을 넘어서는 판매량을 기록했다. 이 앨범을 통해 더 후는 단순한 파워 팝 밴드를 넘어 사운드와 개념 모두에서 선구적인 록 밴드로 확고히 인정받게 되었다.

Quadrophenia는 The Who의 여섯 번째 정규 스튜디오 앨범이자 두 번째 록 오페라 작품이다. 1973년 발매된 이 더블 앨범은 1960년대 중반 영국 모드 하위문화에 몰입한 청년 지미의 내면적 갈등과 정체성 혼란을 그린 콘셉트 앨범이다. 피트 타운젠드가 단독으로 작곡하고, 앨범 커버에 밴드 멤버 각자의 상징적 캐릭터가 등장하는 사진을 사용한 점이 특징이다.

음악적으로는 당시 새로 도입한 신시사이저와 테이프 루프를 광범위하게 활용하여 풍부하고 서사적인 사운드스케이프를 구축했다. 존 엔트위슬의 화려한 호른 편곡과 키스 문의 격렬한 드럼 연주가 결합된 이 앨범은 "The Real Me", "5:15", "Love, Reign O'er Me"와 같은 곡들을 통해 주인공의 분노, 고립, 영적 갈구를 극적으로 표현한다. 초기에는 복잡한 스토리와 라이브 공연의 기술적 어려움으로 인해 다소 차가운 평가를 받기도 했으나, 시간이 지나며 그 예술적 완성도를 인정받았다.

이 앨범은 1979년 동명의 컬트 영화로 제작되어 큰 인기를 끌었으며, 영화는 페이션스와 스팅이 출연했다. Quadrophenia는 청년기의 보편적 불안을 포착한 작품으로, The Who의 가장 야심찬 성과 중 하나로 꼽힌다. 이후 밴드는 1996년과 2012년에 대규모 투어를 통해 이 작품을 재해석하여 공연하기도 했다.

1965년 발매된 The Who의 데뷔 앨범이자 동명의 싱글은 밴드의 초기 정체성을 확립한 작품이다. 앨범은 당시 영국 청년층의 불만과 세대 갈등을 직설적으로 표현하여 모드 문화의 대표적인 선언문으로 자리 잡았다. 특히 타이틀곡 "My Generation"의 스태터링 보컬과 강력한 파워 코드 연주는 로큰롤에 새로운 에너지를 불어넣었다.

앨범에는 R&B 커버와 밴드의 오리지널 곡이 혼재되어 있으며, 피트 타운젠드의 작곡 실력이 돋보이는 "The Kids Are Alright"와 같은 곡도 수록되어 있다. 음반의 생생한 라이브 에너지를 포착하려는 의도로 대부분의 트랙은 비교적 간결한 편집과 직접적인 녹음 방식을 채택했다. 이는 당시 스튜디오 기술의 한계를 넘어서는 거친 사운드를 만들어냈다.

"My Generation" 싱글은 영국 싱글 차트 2위에 올랐고, 앨범은 영국 앨범 차트 5위를 기록했다. "My Generation"의 가사, 특히 "I hope I die before I get old"(늙기 전에 죽고 싶다)라는 구절은 세대를 정의하는 구호가 되었으며, 이후 수많은 아티스트에게 지속적인 영감을 주었다. 이 작품은 The Who를 브리티시 인베이전의 주요 주자 중 하나로 부상시키는 계기가 되었다.

"Baba O'Riley"는 더 후의 1971년 앨범 Who's Next의 오프닝 트랙이자 대표곡이다. 이 곡은 피트 타운젠드가 구상했던 실패한 록 오페라 프로젝트 'Lifehouse'에서 유래되었다. 곡의 제목은 타운젠드가 영감을 받은 인물인 인도의 신비주의자 메헤르 바바와 미국의 미니멀리즘 작곡가 테리 라일리의 이름을 합성한 것이다.

이 곡은 신시사이저의 순환 패턴(알고리즘적 아르페지오)으로 시작되는 독특한 도입부로 유명하다. 타운젠드는 EMS VCS 3 신시사이저를 사용하여 이 패턴을 생성했으며, 이는 당시 록 음악에서 매우 혁신적인 시도였다. 신시사이저 리프 위에 겹쳐지는 어쿠스틱 기타와 피들 연주는 폭발적인 하드 록 사운드로 이어진다.

가사는 십대의 소외감과 도시 생활의 고립감을 다루며, "Teenage wasteland"라는 구절이 반복된다. 이는 'Lifehouse' 프로젝트의 중심 주제를 반영한다. 곡의 후반부에는 격렬한 바이올린 솔로가 등장하며, 이는 데이브 아론이 연주했다.

"Baba O'Riley"는 발매 당시 상업적 성공을 거두었으며, 시간이 지나며 클래식 록 라디오의 주요 곡목이 되었다. 이 곡은 신시사이저를 록 음악에 통합한 선구적 사례로 평가받으며, 프로그레시브 록과 일렉트로닉 뮤직의 발전에 영향을 미쳤다.

"Won't Get Fooled Again"은 더 후의 1971년 앨범 Who's Next의 마지막 트랙으로 수록되었으며, 싱글로 발매되어 영국 싱글 차트 9위에 올랐다. 이 곡은 피트 타운젠드가 작곡한 대표적인 록 앤슬롬[9]으로, 신시사이저의 광활한 서사와 강력한 기타 리프, 극적인 정적과 폭발적인 드럼 연주가 결합된 8분 30초가 넘는 대작이다.

곡은 정치적 변혁과 권력 교체의 순환, 그리고 그 과정에서의 환멸을 주제로 다룬다. 가사에는 "변화를 외치며 거리로 나서지만, 결국 새로운 지도자는 이전과 다를 바 없다"는 냉소적인 시선이 담겨 있다. "Meet the new boss, same as the old boss"라는 후렴구는 이러한 주제를 압축적으로 표현하며 강렬한 임팩트를 남긴다.

이 곡의 도입부에 사용된 ARP 2500 신시사이저의 반복적인 패턴은 테리 라일리의 미니멀리즘 음악에서 영감을 받은 것으로 알려져 있다[10]. 이 신시사이저 사운드는 곡 전체를 관통하는 서사적이고 미래지향적인 분위기를 창출하는 핵심 요소가 되었다. 곡의 중후반부, 로저 달트리의 길고 격렬한 비명은 록 역사상 가장 유명한 보컬 퍼포먼스 중 하나로 꼽힌다.

"Won't Get Fooled Again"은 더 후의 라이브 공연에서 항상 하이라이트를 장식했으며, 수많은 영화와 드라마, 그리고 정치 관련 다큐멘터리에 삽입되어 그 문화적 영향력을 증명했다. 이 곡은 단순한 히트곡을 넘어 시대를 비판하는 강력한 선언문으로 평가받는다.

"Pinball Wizard"는 더 후의 1969년 록 오페라 Tommy에 수록된 곡이다. 이 곡은 주인공 토미가 장애를 극복하고 핀볼 챔피언이 되는 과정을 다루며, 앨범의 서사에서 중요한 전환점을 제공한다.

곡은 피트 타운젠드가 작사·작곡했으며, 강력한 어쿠스틱 기타 리프와 신시사이저의 초기 사용이 특징이다. 가사는 "그는 핀볼 마법사다"라는 반복되는 후렴구를 통해 토미의 비범한 재능을 강조하며, 청각과 시각 장애를 가진 주인공이 의외의 영역에서 천재성을 발휘한다는 역설을 담고 있다[11].

"Pinball Wizard"는 싱글로 발매되어 영국 싱글 차트 4위, 미국 빌보드 핫 100 차트 19위에 올랐다. 이 곡의 성공은 Tommy 앨범과 동명의 영화를 대중에게 널리 알리는 데 결정적 역할을 했다. 이후 엘튼 존을 비롯한 많은 아티스트에 의해 커버되었으며, 록 역사상 가장 유명한 곡 중 하나로 자리 잡았다.

더 후의 라이브 공연은 단순한 음악 연주를 넘어선 과격한 퍼포먼스 아트로 평가받는다. 이들의 무대는 특히 피트 타운젠드의 악기 파괴 행위로 유명해졌다. 타운젠드는 공연이 절정에 달하거나 열광적인 분위기 속에서 기타를 스피커 캐비닛에 부딪히거나 지면에 내던지고, 심지어 완전히 분해하기도 했다. 이 행위는 초기에는 순간적인 감정의 폭발이나 기술적 문제로 인한 사고에서 비롯되었지만, 곧 밴드 정체성의 핵심이자 관객과의 소통 방식으로 정착되었다.

이 과격한 무대 행위는 음악적 메시지와 긴밀하게 연결되어 있었다. My Generation의 가사가 전하는 세대 간 갈등과 반항 정신을 물리적 행동으로 표현한 것이었다. 타운젠드는 "악기를 파괴하는 것은 그것을 숭배하는 것에 대한 반항이었다"고 설명한 바 있다[13]. 키스 문의 난폭하고 에너지 넘치는 드럼 연주 방식 역시 무대를 혼란스러운 전장으로 만들었다. 그는 종종 드럼 세트를 넘어뜨리거나 스틱을 관중석으로 던지는 등 타운젠드의 파괴와 맞먹는 과격함을 보여주었다.

이러한 퍼포먼스는 당대 공연 문화에 큰 충격을 주었고, 이후 수많은 록 밴드들에게 영향을 미쳤다. 다음은 더 후의 대표적인 무대 파괴 사례와 그 의미를 정리한 표이다.

결국, 악기 파괴는 더 후의 음악이 가진 불안정한 에너지와 공격성을 시각화하는 도구가 되었다. 이는 단순한 쇼맨십을 넘어, 그들의 음악 철학과 반문화적 태도를 무대 위에서 구현하는 핵심적 수단이었다.

더 후는 1960년대 후반의 두 대표적인 록 페스티벌인 몬터레이 팝 페스티벌과 우드스톡 페스티벌에서 역사적인 공연을 선보이며 라이브 악단으로서의 명성을 확고히 했다. 이 공연들은 밴드의 폭발적인 에너지와 무대 위 카타르시스를 대중에게 각인시키는 결정적 계기가 되었다.

1967년 6월 열린 몬터레이 팝 페스티벌에서 더 후는 미국 데뷔 무대를 가졌다. 이 공연은 피트 타운젠드가 기타를 스피커에 부딪히고, 키스 문이 드럼 세트를 무너뜨리는 과격한 퍼포먼스로 마무리되었다. 당시 미국 관객 대부분은 이 같은 무대 파괴 행위를 처음 목격했으며, 이 사건은 밴드의 난폭한 이미지를 전 세계에 알리는 신호탄이 되었다. 공연 종료 직후 발생한 소동으로 타운젠드는 경찰에 연행되기도 했다[14].

1969년 8월의 우드스톡 페스티벌 공연은 더 후의 전설적 지위를 공고히 했다. 새벽 5시에 시작된 이 공연에서 밴드는 "See Me, Feel Me"와 "Pinball Wizard"를 포함한 로큰롤 오페라 Tommy의 곡들을 선보였다. 공연 중 애비 호프먼이 무대에 올라 정치적 연설을 시도하자, 타운젠드는 그를 기타 넥으로 밀어내며 공연의 순수성을 지켰다. 이 에피소드는 당시의 시대적 분위기와 밴드의 태도를 상징적으로 보여준다. 우드스톡 실황 영화와 사운드트랙에는 이 공연의 일부가 수록되어 후대에 전해진다.

The Who는 1960년대 중반 브리티시 인베이전의 두 번째 물결을 이끈 핵심 밴드 중 하나로 평가받는다. 그들의 초기 사운드는 더 후의 공격적인 기타 리프, 강력한 리듬 섹션, 그리고 반항적인 가사가 결합되어, 당시의 팝 지형에 강력한 충격을 주었다. 특히 데뷔 싱글인 〈I Can't Explain〉과 데뷔 앨범 《My Generation》은 기존의 청순한 팝 사운드와는 차별화된 거칠고 직설적인 에너지를 선보이며, 브리티시 인베이전의 스펙트럼을 넓히는 데 결정적인 역할을 했다.

1970년대 중후반 등장한 펑크 록 운동에 The Who가 미친 영향은 더욱 직접적이고 근본적이다. The Who의 음악은 속도감, 간결함, 사회적 불만을 표출하는 태도 면에서 펑크 록의 원형을 제공했다. 〈My Generation〉의 스터터링 보컬과 "Hope I die before I get old"라는 가사는 펑크의 반항 정신과 청년 문화의 선구적 선언으로 받아들여졌다. 또한 피트 타운젠드의 기타 파괴 퍼포먼스와 키스 문의 폭발적인 드럼 연주는 무대 위의 무정부적 에너지와 과격함에 대한 중요한 롤모델이 되었다.

다음은 The Who의 음악적 특징이 후대 장르에 미친 영향을 요약한 표이다.

이러한 요소들은 The Who를 단순한 하드 록 밴드를 넘어, 브리티시 인베이전의 진화를 촉진하고 펑크 록의 태동에 영감을 준 선구자로 위치시킨다. 그들의 유산은 음악적 기교뿐만 아니라 록 음악이 가질 수 있는 문화적 저항과 청년 정체성의 표현 방식에까지 깊이 뿌리내리고 있다.

더 후는 록 오페라 장르의 형성과 발전에 결정적인 기여를 한 밴드로 평가받는다. 특히 1969년 발매한 더블 앨범 《Tommy》는 최초의 본격적인 록 오페라 중 하나로 꼽히며, 통합된 서사와 주제를 가진 하나의 완결된 작품이라는 개념을 록 음악에 도입했다. 이 앨범은 청각 장애인, 시각 장애인, 말 못하는 소년 토미의 성장과 추락, 구원을 그린 이야기로, 당시 록 음악의 범주를 단순한 싱글 모음집을 넘어서는 서사적이고 극적인 형식으로 확장시켰다.

1973년 발표한 《Quadrophenia》는 더욱 복잡하고 성숙한 록 오페라로, 1960년대 초 영국의 모드 문화에 몰입한 청년 지미의 정체성 갈등과 사회적 소외를 4중 인격(Quadrophenia)이라는 개념으로 풀어냈다. 이 작품은 신디사이저를 광범위하게 사용한 선구적인 사운드와 함께, 주인공의 내면 심리를 음악과 가사, 연주에 고도로 통합시켜 표현함으로써 록 오페라의 예술적 가능성을 한 단계 끌어올렸다.

이들의 록 오페라는 후대 아티스트들에게 지대한 영향을 미쳤다. 데이비드 보위의 《The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars》나 핑크 플로이드의 《The Wall》과 같은 개념 앨범들은 더 후의 선구적 작업 위에 세워졌다. 또한 《Tommy》는 1975년 영화로 제작되고 브로드웨이 뮤지컬로 각색되는 등 다른 매체로의 확장을 이끌어, 록 음악이 단순한 공연을 넘어 종합 예술 작품이 될 수 있음을 증명했다.